Die Bayerische Theaterakademie August Everding bringt mit Dave Malloys Elektro-Pop-Oper »Natascha, Pierre und der große Komet von 1812« eine anspruchsvolle Broadway-Sensation als deutsche Erstaufführung auf die Bühne. Die Inszenierung von Regisseur Philipp Moschitz verwandelt den Auszug aus Leo Tolstois Literaturklassiker »Krieg und Frieden« im Münchner Prinzregententheater in eine pulsierende Technoclub-Szenerie, die russische Folklore mit Indie-Rock und elektronischen Beats verbindet.
Wir sprechen mit dem Team vor und hinter den Kulissen: Die Hauptdarstellerin Esra Helene Bücker gibt Einblicke in ihre Doppelrolle auf der Bühne als Marja Dmitrijewna und als leitende Dance Captain der Produktion. Der musikalische Leiter Andreas Kowalewitz erklärt die anspruchsvolle rhythmische Koordination. Zudem beleuchten Studiengangsleiterin Prof. Marianne Larsen und die künstlerische Produktionsleiterin Agnes Wiener die pädagogischen Hintergründe dieser komplexen Abschlussproduktion sowie die logistischen Herausforderungen im Hintergrund der Theaterakademie.
Die Spieltermine im Großen Haus des Prinzregententheaters:
Die Premiere findet am 13. November 2026 statt. Weitere Vorstellungen folgen am 15., 17., 18., 20. und 21. November 2026 (Dernière als Benefizvorstellung zugunsten der Studierendenstiftung).
Interview Esra Helene Bücker
Esra Helene Bücker studiert Musical an der Bayerischen Theaterakademie August Everding in München. In der deutschen Erstaufführung von »Natascha, Pierre und der große Komet von 1812« im Prinzregententheater übernimmt sie die Rolle der Marja Dmitrijewna und arbeitet parallel als Dance Captain der Produktion.
blickpunkt musical: Marja Dmitrijewna ist eine der bodenständigsten, aber auch strengsten Figuren des Stücks – die alte Moskauer Schule, die Sitte und Anstand wahrt. Wie viel Spaß macht es Ihnen als junge Darstellerin, diese energische, fast schon herrische Dame mit ihrer großen Nummer »In My House« auf die Bühne zu bringen?
Esra Helene Bücker: Ich liebe es, Marja Dmitrijewna zu spielen! Sie ist eine extrem charakterstarke und emanzipierte Frau – kompromisslos sie selbst in all ihren Facetten und Eigenheiten. Schon allein das ist für mich inspirierend, ermutigend und befreiend. Und ja, sie ist streng und »old school«, aber auch sehr amüsant, spritzig, skurril und leidenschaftlich. Ihre beiden Schützlinge liebt sie über alles. Dass unter ihrer Aufsicht so etwas Schlimmes passieren konnte, erschüttert sie zutiefst. Die Nummern »Im Haus hier« und »Hilferuf an Pierre« sind daher eine emotionale Achterbahnfahrt: heftige Vorwürfe, Schuldgefühle, Verzweiflung. Trotz allem handelt sie letztendlich lösungsorientiert und strategisch, um die Familie zu retten. Wenn das alles keinen Spaß macht, was dann!
blimu: Als Dance Captain sind Sie das direkte Bindeglied zwischen der Choreografie und dem Ensemble. Die Tänze bei diesem Stück sind extrem energetisch, oft wild, folkloristisch und modern zugleich. Wie schwer ist es für das Ensemble, diese enorme Präzision und Energie über die gesamte Stückdauer aufrechtzuerhalten? Und wie anspruchsvoll ist diese Doppelfunktion für Sie persönlich?
EHB: Das Ensemble benötigt dafür extrem viel Kraft, Ausdauer und Fokus – vor allem, weil zeitgleich noch live gesungen und auf Instrumenten gespielt wird. Wir sind zwar gerade noch fleißig am »Putzen«, aber die Spielfreude des gesamten Teams ist jetzt schon überwältigend. Das sollte man sich auf keinen Fall entgehen lassen!
Meine Doppelfunktion als Dance Captain und Marja D. ist herausfordernd und sehr zeitintensiv. Man muss stets hellwach sein und innerhalb von Sekunden umschalten. Aber genau darin liegt der Reiz: Dass ich in beiden Funktionen so viel lernen darf, darin aufblühe und so viel Freude empfinde, macht mich glücklich.
blimu: Wie sieht das tägliche Warm-up und das Konditionstraining aus, das Sie mit dem Ensemble absolvieren, um diese enorme Power über die gesamte Show hinweg zu sichern? Vor allem: Wie gelingt das im Hinblick darauf, dass die Stimmen keineswegs unter dem so hohen körperlichen Einsatz leiden dürfen?
EHB: Wir machen alle gemeinsam mit unserem Choreografen Sven Niemeyer ein typisches Jazz-Warm-up – also Pliés, Tendus, Flatbacks, Stretches und so weiter. Dazu kommen Bauchmuskelübungen und Liegestütze in allen möglichen Varianten sowie Kombinationen aus verschiedenen Schritten, Drehungen und Sprüngen quer durch den Raum.
Mir persönlich hilft es total, körperlich richtig warm zu sein, bevor ich singe. Bewegung an sich ist nicht schlecht für die Stimme, sie kann sogar sehr unterstützend wirken. Natürlich ist es nicht immer leicht, alles gleichzeitig zu koordinieren. Da kommt es auf eine gute Technik, strategisches Atmen und Kondition an. Das lernen wir zum Glück alles im Studium, vor allem im Gesangscoaching mit Marianne Larsen. Mit ihrer musikalischen und interpretatorischen Expertise holt sie aus uns allen das Beste heraus und hebt die Produktion auf ein neues Level.
blimu: Das Stück hat keinen klassischen, anonymen Background-Chor – jeder auf der Bühne hat eine eigene, scharf gezeichnete Persönlichkeit und steht ständig im Fokus. Wie anspruchsvoll ist es choreografisch, dieses ständige, individuelle Gewusel auf der Bühne so zu strukturieren, dass es für die Zuschauer nie unordentlich, sondern immer fokussiert und lebendig wirkt?
EHB: Wir erzählen alle gemeinsam eine Geschichte, und die Musik verbindet uns. Philipp Moschitz’ Inszenierung unterstützt die solistischen Momente jeder einzelnen Figur. In Kombination mit Sven Niemeyers Choreografien entsteht ein dynamisches, lebendiges Gesamtbild, das Individualität und fokussierte Gruppenmomente perfekt vereint. Die Tanzschritte in Timing und Ausführung zu synchronisieren, ist als Dance Captain mein Job. Da sind auf jeden Fall alle Synapsen gefordert, aber ich bin sehr zuversichtlich, dass spätestens bei der Premiere nur noch rein gewolltes Gewusel herrscht.
blimu: Wie kam es, dass Sie diese Doppelfunktion für das Stück übernommen haben? Ist das ein Weg, den Sie auch zukünftig anstreben?
EHB: Für mich ist es einfach die perfekte Kombination. Ich tanze schon mein Leben lang und übernehme gerne Verantwortung. Und Marja D. ist in diesem Stück meine absolute Traumrolle. Da kann ich mich mit meiner warmen, kräftigen, teils operalen Altstimme und meiner komödiantisch-dramatischen Spielfreude voll austoben. Ich kann mir sehr gut vorstellen, zukünftig als Dance Captain zu arbeiten und auch selbst zu choreografieren. Außerdem freue ich mich darauf, in viele weitere spannende Rollen zu schlüpfen. Ich würde zum Beispiel unglaublich gerne mal etwas im Bereich Chanson machen – da ist meine Stimme ebenfalls zu Hause.
blimu: Sie sind gerade in der intensivsten Probenphase: Was lieben Sie im Moment besonders daran?
EHB: Am meisten liebe ich es, wie sich langsam alles zusammenfügt und die Magie entsteht. Mit Orchester, Licht, Maske und Kostüm zu proben ist immer aufregend. Dann kommt der Moment, in dem man sich komplett seiner Rolle, der Musik und dem Stück hingeben kann. Darauf freue ich mich schon sehr!
blimu: Warum sollten die Zuschauer ins Prinzregententheater strömen, um dieses Werk unbedingt zu sehen?
EHB: Ganz einfach: Wer’s nicht tut, verpasst was! Und eine persönliche Einladung von Marja Dmitrijewna Achrossimowa abzulehnen, könnte fatale Folgen haben…
»Krieg und Frieden« ist nicht ohne Grund Weltliteratur. Die Figuren sind unglaublich vielschichtig und werden in ihren tiefsten Abgründen und größten Sehnsüchten gezeigt. Sie sind nahbar, stehen zwischen Gut und Böse und berühren ehrlich. Sie leben im Hier und Jetzt – impulsiv und leidenschaftlich. Die Musik ist einzigartig und mitreißend, das Stück wie eine Oper durchkomponiert. Es gibt wilde, energetische Tanznummern, herzzerreißende Balladen, sehr intime, aber auch viele witzige Momente – pure Lebensfreude und tiefe Verzweiflung wechseln sich ab. Kostüm, Maske und Bühnenbild ergänzen sich perfekt, und schon allein die schauspielerische, tänzerische und gesangliche Leistung meiner Mitstudierenden verdient ein volles Haus. Die gesamte Show ist der Hammer, aber überzeugen Sie sich am besten selbst!
Interview Andreas Kowalewitz
Andreas Kowalewitz arbeitet als Dirigent und musikalischer Leiter an verschiedenen deutschen Bühnen sowie als Dozent an der Theaterakademie August Everding. Er verantwortet die musikalische Einstudierung der Produktionen und bereitet die Studierenden auf die Arbeit mit komplexen Partituren vor.
blickpunkt musical: Herr Kowalewitz, Dave Malloy bezeichnet seine Partitur selbst als »Elektropop-Oper«. Sie mischt russische Volksmusik, klassische Opernstrukturen, Indie-Rock und harten Elektro beziehungsweise Techno. Wie groß ist für Sie die Herausforderung, diese so unterschiedlichen musikalischen Welten zusammenzubringen und sie dann auch noch mit Studierenden zu erarbeiten?
Andreas Kowalewitz: Jedes Bühnenwerk ist natürlich grundsätzlich eine Herausforderung. Wobei wir bei einem im deutschsprachigen Raum noch fast unbekannten Stück wie diesem den Vorteil sehr zu schätzen wissen, frei und vollkommen unbeschwerdet von etwaigen Vergleichen agieren zu können. Allerdings legt sich Malloy mit seinen Time-Code-basierten Einspielungen oft fest und lässt bei den Tempi wenig bis keinen Spielraum. Dieses strenge rhythmische Korsett nehmen wir sehr ernst, und die Studentinnen und Studenten nehmen diese Herausforderung extrem begeistert an.
blimu: Das Stück ist komplett durchkomponiert, es gibt keinen gesprochenen Text. Das bedeutet für die Musizierenden und das Ensemble permanente Konzentration ohne Atempause. Wie unterscheidet sich die Probenarbeit an einem solchen Werk von einem klassischeren Buch-Musical?
AK: Die fast ausnahmslos gesungenen Dialoge sind eine hochinteressante Variante des Genres Musical im weitesten Sinne – zumal man bei Tolstois textlich anspruchsvoller Vorlage eigentlich mit deutlich mehr gesprochenen Passagen hätte rechnen können. An der Aufgabe für die Absolventinnen und Absolventen der Theaterakademie ändert das jedoch nichts. Wir müssen den jungen Menschen schließlich vermitteln, dass auch wir lernen mussten, keinen Unterschied im Umgang mit unserer Verantwortung für ein Bühnenstück zu machen – ganz gleich, ob es sich um eine hochmoderne Uraufführung handelt oder ein Werk, das bereits in die Jahre gekommen ist. Ein klassisches, großes Orchester gibt es bei uns übrigens nicht: Der Komponist setzt stattdessen ein neunköpfiges Instrumental-Ensemble ein, bestehend aus drei Streichern, zwei Bläsern und einer Rhythmusgruppe.
blimu: Obwohl das Stück extrem modern wirkt, erinnert die Struktur an eine durchkomponierte Oper, bei der Leitmotive die einzelnen Charaktere begleiten. Nutzen Sie diesen opernhaften Zugang in Ihrer Arbeit mit den Studierenden, um ihnen das Verständnis für diesen vermeintlichen »Chaos-Score« zu erleichtern?
AK: Unser Gesangsensemble wird ja speziell für die Belange des modernen Musicals ausgebildet – das ist nach wie vor etwas sehr Besonderes im deutschsprachigen Theaterraum. Ob ich diesen jungen Menschen den Zugang zu dieser sogenannten »Elektropop-Oper« ausgerechnet mit einem Vergleich zu Puccini erleichtern würde, darf ich zumindest leise infrage stellen. (schmunzelt)
Und vollends durchkomponiert ist der »Komet« ja eigentlich nicht: Er lässt an den richtigen Stellen ganz bewusst Raum für Applausmomente nach herausragenden Musiknummern. Das gibt es bei Wagner schlichtweg gar nicht und bei Puccini vielleicht ein- bis zweimal pro Oper. Sehr modern und ungewöhnlich ist allerdings die integrierte Mini-Oper im ersten Teil – eine fast absurde, minimalistische Karikatur auf die »große Schwester« des Musicals. Da hilft dann bei der Erarbeitung durchaus der vergleichende Blick auf die großen Titanen der klassischen Opernspielpläne, da haben Sie vollkommen recht.
blimu: Im Original spielen viele Darsteller auf der Bühne selbst Instrumente wie Akkordeon, Tamburin oder Gitarre und werden so selbst zum Teil des Klangkörpers. Wie stark binden Sie die Studierenden der Everding-Akademie in die aktive Erzeugung des Live-Sounds ein? Das Bühnenbild von Ayşe Gülsüm Özel im Prinzregententheater verzichtet ja auf den Graben und verteilt das Ensemble im Raum. Welche koordinativen Höchstleistungen verlangt das von Ihnen als Dirigent, um den Kontakt nie zu verlieren?
AK: Das ist tatsächlich die entscheidende, zentrale Herausforderung für uns Musikverantwortliche. Wir haben das große Glück, eine erstaunliche Anzahl an Studierenden präsentieren zu dürfen, die neben dem Gesang, dem Schauspiel und dem Tanz auch ihr jeweiliges Instrument hervorragend beherrschen und somit den komplexen Ansprüchen von Dave Malloys Partitur absolut gerecht werden. Das Konzept dieser Produktion sieht vor, dass sich alles Musikalische direkt auf der Bühne abspielt. Ein Orchestergraben ist nicht vorgesehen.
Ayşe Gülsüm Özel hat uns mit ihrem Bühnenbild einen zeitlos modernen Raum geschaffen, der alle Musikerinnen und Musiker organisch in das Gesamtgeschehen integriert. Um dieses Zusammenspiel im weiten Rund des Prinzregententheaters fehlerfrei zu koordinieren, nutzen wir die vom Komponisten vorgegebenen Klickspuren. Sie sind das unsichtbare Band, das uns alle rhythmisch zusammenhält.
blimu: In vielen Nummern müssen die Darsteller die Töne nicht nur singen, sondern deklamieren, flüstern oder im Stil von modernem Sprechgesang herausschreien. Wie arbeiten Sie hier als musikalischer Leiter mit den Gesangsdozenten der Akademie zusammen, um sicherzustellen, dass dieser stilistische Wildwuchs nicht auf Kosten der jungen Stimmen geht?
AK: Natürlich wird dieser intensive, monatelange Probenprozess – von der ersten Materialsichtung im April bis zur Generalprobe im November – aufmerksam und behutsam vom dozierenden Personal der Theaterakademie betreut. Das gilt für die sprachliche Genauigkeit ebenso wie für die stimmgesunde Umsetzung. Man darf schließlich nicht vergessen: Für fast alle Studierenden hier ist es die allererste komplette, professionelle Theaterproduktion ihres Lebens.
blimu: Dave Malloy wird in den USA oft mit Stephen Sondheim verglichen, wenn es um komplexe, polyphone Ensemblenummern wie das wilde »Balaga« oder das vielstimmige Finale geht. Sehen Sie diese Parallelen in der Struktur der Partitur, und wie anspruchsvoll ist das Einstudieren dieser komplexen Chorsätze für ein so junges Ensemble?
AK: Von diesem Vergleich wusste ich ehrlich gesagt noch nichts, und ich tendiere prinzipiell auch nicht dazu, starke, eigenständige künstlerische Individuen an anderen zu messen. Es muss nicht immer alles miteinander verglichen werden. Natürlich schreibt Malloy – genau wie Stephen Sondheim – sowohl die Musik als auch seine eigenen Texte. Aber die epische Lebensleistung Sondheims, unvergleichliche und nebenbei bemerkt im Grunde unübersetzbare Songtexte für die Ewigkeit kreiert zu haben, sollte man auch in den USA mit respektvoller Demut einbalsamieren. Malloy schreibt völlig anders: ostinat, quälend, oft faszinierend minimalistisch. Da denke ich beim Analysieren der Strukturen eher an Komponisten wie Steve Reich oder Philip Glass, wenn man denn unbedingt nach einem Vergleich suchen möchte.
blimu: Malloys Musik bricht oft mit klassischen Hörgewohnheiten: Es gibt bewusste Dissonanzen, komplexe Taktwechsel und plötzlich einsetzende Techno-Beats. Und doch empfinden sehr viele Menschen gerade dieses Werk als ein absolutes musikalisches Meisterwerk. Wo liegt für Sie ganz individuell der Reiz an dieser Partitur?
AK: Mir gefällt besonders die strikte und konsequente Trennung von bereits vorproduzierten Ton- beziehungsweise Geräuscheinspielungen, die den typischen Elektro-Pop-Sound ausmachen, und der fast klassisch anmutenden Instrumentation des kleinen analogen Klangkörpers. Weder ein Saxophon noch ein Synthesizer kommen hier live zum Einsatz. Es fühlt sich dadurch an wie ein kleines Salonorchester des frühen 19. Jahrhunderts, das sich unter den sphärischen, elektronischen Klängen des rotierenden Kometen im All mühsam Gehör und Respekt zu verschaffen versucht.
Interview Marianne Larsen & Agnes Wiener
Prof. Marianne Larsen leitet den Studiengang Musical an der Theaterakademie August Everding in München. Als Gesangspädagogin und Professorin wählt sie die jährlichen Abschlussstücke aus und begleitet die Studierenden bei ihren ersten professionellen Bühnenproduktionen.
Agnes Wiener arbeitet als künstlerische Produktionsleiterin für den Studiengang Musical an der Theaterakademie August Everding. Sie organisiert die Abläufe hinter den Kulissen und koordiniert die Probenzeiten, die studentischen Gewerke sowie die Schnittstellen zum laufenden Lehrbetrieb.
blickpunkt musical: Nach der gefeierten deutschsprachigen Erstaufführung am Landestheater Linz im Jahr 2023 blickt die Musicalwelt natürlich ganz besonders auf die nächste Inszenierung im deutschsprachigen Raum. Wie geht man als Produktionsteam einer Akademie mit diesem unausweichlichen Vergleich um, und inwiefern unterscheidet sich Ihre Münchner Vision bewusst von der Linzer Fassung?
Marianne Larsen: Man geht vor allem inspiriert damit um. Linz war eine wunderbare Aufführung, die uns dieses sehr komplexe Stück nähergebracht hat – und nun wagen wir unsere ganz eigene Interpretation.
blimu: Die Lizenzrechte für Broadway-Stücke, die sich noch in ihrer europäischen Premierenphase befinden, sind oft an strenge Auflagen gebunden. Wie gestalteten sich die Verhandlungen mit den US-Rechteinhabern? Haben Sie die Übersetzung von Roman Hinze eins zu eins übernommen oder wurde am Text gearbeitet, um ihn für Ihre Studierenden passend zu machen?
Agnes Wiener: Unser Ansprechpartner für die Aufführungsrechte war Concord Theatricals. Über den Verlag lief die gesamte Abstimmung zu unserer Produktion. Als Studiengang pflegen wir schon seit Jahren sehr gute Beziehungen zu den deutschsprachigen Theaterverlagen. Als klar war, dass dieses Stück perfekt zu unserem Jahrgang passt, haben wir angefragt und sehr schnell grünes Licht bekommen.
ML: Die Offenheit, mit der uns der Verlag entgegenkam, kann man wirklich nur loben – das war eine sehr erfreuliche Grundlage für die gesamte Planung. Es gab keine ungewöhnlichen Auflagen, und wir führen das Stück in jener Fassung auf, die uns der Verlag zur Verfügung stellt.
blimu: »Der große Komet« ist trotz seines Broadway-Erfolgs kein klassisches Musical im Stile von »Mamma Mia!« oder der letztjährigen Akademie-Produktion »The Addams Family«, sondern ein hochgradig anspruchsvolles, fast schon avantgardistisches Werk. Wie positionieren und bewerben Sie das Stück, um auch das breitere Münchner Publikum abseits der absoluten Branchen-Insider zu erreichen?
AW: »Natascha, Pierre und der große Komet von 1812« erzählt von Liebe, gesellschaftlichen Konventionen und existenziellen Entscheidungen vor dem Hintergrund eines Krieges. Die ästhetische Form ist ungewohnt, und wir sprechen ganz bewusst von einer »Elektropop-Oper« statt von einem klassischen Musical, weil es sich um ein besonderes Musiktheaterwerk handelt, das in keine herkömmliche Schublade passt.
ML: Wir finden das Stück schlichtweg genial und sind überzeugt, dass es auch ein breiteres Publikum mitreißen kann. Das Münchner Publikum ist ausgesprochen aufgeschlossen und neugierig. Man muss aus unserer Sicht kein Branchenwissen mitbringen, um sich von einer emotionalen Geschichte berühren zu lassen. Zudem ist die Inszenierung des Teams rund um Philipp Moschitz ein vollkommen neues, so noch nicht gesehenes Angebot: Unsere Regie lehnt sich weder an Linz noch an den Broadway an. Ein Theaterabend darf das Publikum schließlich überraschen und etwas zeigen, wonach man vorher gar nicht gesucht hat.
blimu: Die Partitur verlangt ein extrem homogenes Ensemble, in dem fast alle zugleich Solisten und Chormitglieder sind. Warum ist »Der große Komet« das ideale Projekt für den Studiengang an der Theaterakademie August Everding, und was lernen die Studierenden hierbei, was ihnen andere Stücke nicht bieten könnten?
ML: Es ist in der Tat eine anspruchsvolle Aufgabe, das perfekte Abschlussstück für einen Jahrgang zu finden. Jedes Jahr besprechen wir mit unserer Abschlussklasse, welche Stoffe sie interessieren. Aus diesen Vorschlägen kristallisiert sich ein Favorit heraus, wobei die Besetzbarkeit letztlich das entscheidende Kriterium ist. Vorlieben allein können selten den Ausschlag geben. Für uns ist wichtig, dass sich die Studierenden mit einem Werk auseinandersetzen, das sie spannend finden und an das sie später mit Freude und Zufriedenheit zurückdenken.
AW: Einen Aspekt kann man dabei ganz besonders hervorheben: Wir haben sehr talentierte Instrumentalistinnen und Instrumentalisten in unserem Jahrgang, die nun als Actor-Musicians auf der Bühne stehen. Die Studierenden erproben hautnah, Gesang, Tanz, Schauspiel und Instrumentalspiel live miteinander zu verbinden. Das ist eine außergewöhnliche Erfahrung, die ihr künstlerisches Portfolio enorm erweitert.
blimu: Bei einer professionellen Stadttheater- oder Tourneeproduktion castet man exakt passend zum Rollenprofil. An einer Hochschule arbeiten Sie jedoch mit dem bestehenden Jahrgang und möchten jedem eine faire Chance bieten, sich zu präsentieren. Wie verlief der interne Casting-Prozess, um die extremen Charaktere – vom draufgängerischen Anatol über die unschuldige Natascha bis zum melancholischen Pierre – stimmig zu besetzen?
AW: Wir entscheiden uns grundsätzlich nur für ein Stück, wenn wir sicher wissen, dass wir es aus den eigenen Reihen überzeugend besetzen können. Etwa ein halbes Jahr vor Probenstart findet ein internes Vorsingen statt, bei dem das externe Regieteam die Studierenden kennenlernt und auf dieser Basis die Rollen festlegt. Dieser Prozess lebt vom intensiven Austausch zwischen uns als Leitungsteam, die wir die Studierenden seit Jahren begleiten, und dem frischen, marktbezogenen Blick eines professionellen Regieteams.
blimu: Gab es Rollen, für die Sie aufgrund der Jahrgangsstruktur unkonventionelle oder gar genderübergreifende Wege gehen mussten, um das Stück realisieren zu können?
AW: Nein, das war bei dieser Produktion überhaupt nicht nötig. Die Rollenprofile passten von Beginn an bemerkenswert gut zu unseren Studierenden.
blimu: Ein professioneller Probenprozess verlangt über viele Wochen hinweg permanente Präsenz. Die Studierenden haben parallel theoretische Fächer, Sprecherziehung und Gesangsunterricht. Wie sieht die logistische Koordination im Hintergrund aus, um diesen Probenmarathon mit dem regulären akademischen Lehrbetrieb zu vereinbaren?
ML: Große Produktionen sind fester Bestandteil unseres Curriculums; die Studierenden erhalten für ihre Mitwirkung reguläre ECTS-Punkte. Im Lehrplan ist von vornherein berücksichtigt, dass Gruppenunterrichte in dieser intensiven Phase pausieren – die Bühnenproduktion ist in dieser Zeit der Unterricht. Einzelunterrichte in Gesang und Sprechen finden parallel so weit wie möglich regulär statt.
blimu: Dave Malloys Stück wurde ursprünglich für intime Räume konzipiert, in denen das Publikum an Tischen zwischen den Darstellern saß. Das Prinzregententheater ist mit rund 1.000 Plätzen ein monumentales Amphitheater. Wie lösen Sie diese räumliche Herausforderung bühnen- und produktionstechnisch?
ML: Die Lizenzgeber schreiben weder vor, dass man Actor-Musicians einsetzen muss, noch wie der Raum gestaltet sein soll. Das Prinzregententheater bietet durch seine Größe und die offene Bauweise ohnehin einen beeindruckenden Rahmen. Wir bespielen die Vorderbühne sehr weit nach vorne, und alle Musizierenden sitzen unter der Leitung von Andreas Kowalewitz direkt auf der Bühne.
AW: Für die visuelle Gestaltung setzen wir auf eine moderne Ästhetik, getragen von einem bildgewaltigen Video- und Lichtdesign unseres Teams rund um Ayşe Gülsüm Özel und Raphaël-Aaron Moss. Die elektronischen Sounds, das Licht und die Videosequenzen sind eng miteinander gekoppelt und werden punktgenau von Andreas Kowalewitz von der Bühne aus gesteuert. Dadurch entsteht eine dichte, immersive Atmosphäre, die bisweilen an einen stylischen Club erinnert. Zusammen mit Sven Niemeyers energetischen Choreografien und dem kraftvollen Mix aus Pop, Folk und Elektro entsteht eine Wucht, der man sich selbst in den hinteren Reihen des Saals nicht entziehen kann.
blimu: Die Theaterakademie August Everding genießt für ihre Hochschulproduktionen einen exzellenten Ruf – doch die Stücke werden trotz des enormen Aufwands meist nur über einen sehr kurzen Zeitraum gezeigt. Auf der anderen Seite sammelt die Akademie Spenden für Stipendien. Wäre es denkbar, solche Produktionen länger im Spielplan zu halten und durch zusätzliche Vorstellungen direkte Einnahmen für die Studierenden zu generieren?
ML: Unsere Studierenden müssen zwingend auch Zeit für die weiteren Facetten ihres Studiums haben. Eine deutlich höhere Anzahl an Vorstellungen würde bedeuten, dass wir mehrere Besetzungen einstudieren müssten – damit würde aus einem fokussierten Studium ein regulärer Repertoirebetrieb. Das ist weder im Sinne unserer Institution noch mit dem Curriculum vereinbar. München gehört weltweit zu den teuersten Städten; wenn wir talentierten jungen Menschen hier ein Studium ermöglichen wollen, müssen wir Stipendienwege finden, ohne ihre Studienzeit zu beschneiden. Unsere letzte Vorstellung spielen wir daher traditionell als Benefizvorstellung, deren Erlöse vollständig der Stipendienförderung zugutekommen.
blimu: Wie gelingt Ihnen als Leitungsteam der Spagat zwischen dem geschützten Raum einer Ausbildung und dem Leistungsdruck einer Musicalproduktion, die sich öffentlich vor Publikum und Fachpresse behaupten muss?
AW: Als Lehr- und Lerntheater haben wir das große Privileg, keinen kommerziellen Verwertungsdruck im Nacken zu haben. Unser pädagogischer Auftrag geht weit über den vordergründigen Erfolg einer einzelnen Produktion hinaus. Das im geschützten Raum erlernte Handwerk einmal im Jahr auf der großen Bühne des Prinzregententheaters vor öffentlichem Publikum auszuprobieren, ist essenziell für die Entwicklung. Dass es sich trotz aller Professionalität um eine Hochschulproduktion handelt, wird von Publikum und Presse glücklicherweise honoriert.
blimu: Für viele Studierende ist diese Abschlussproduktion die wichtigste Visitenkarte für anwesende Agenten, Besetzungsbüros und Intendanten. Wie fangen Sie den unvermeidlichen psychologischen Druck und das Lampenfieber ab?
ML: Dem Begriff »enormer psychologischer Druck« möchte ich gern etwas entgegensetzen: Jeder Mensch, der in seinem Beruf nach Exzellenz strebt, spürt Anspannung – aber im Idealfall als positiven, fokussierenden Antrieb. Die Studierenden haben zu diesem Zeitpunkt bereits kleinere Produktionen absolviert und gelernt, mit Nervosität produktiv umzugehen. Das gesamte Ensemble und das Dozententeam stützen sich gegenseitig, um gemeinsam das beste Ergebnis auf die Bühne zu bringen.
AW: Die Abschlussproduktion ist ein bedeutender Meilenstein, aber sie entscheidet keineswegs allein über ein ganzes Berufsleben. In ihren jeweiligen Rollen zeigen die Studierenden nur eine Facette ihres breiten Könnens. Der eigentliche Berufseinstieg bringt noch viele weitere Chancen mit sich.
blimu: Die Theaterakademie vereint Musical, Regie, Maskenbild, Bühnenbild und Dramaturgie unter einem Dach. Inwiefern ist diese Produktion eine echte interdisziplinäre Zusammenarbeit?
ML: Bei dieser Produktion arbeiten die Studiengänge Maskenbild und Dramaturgie intensiv mit. Die Studierenden knüpfen frühzeitig fächerübergreifende Netzwerke und lernen die Arbeitsweisen der anderen Gewerke kennen. So haben die Maskenbild-Studierenden unter Anleitung von Kostümbildner Claudio Pohle das Maskenkonzept entwickelt. Die Dramaturgiestudentinnen Katharina Marie Lebmeier und Hannah Schwarz begleiten die Produktion von Beginn an, gestalteten das Programmheft und produzierten einen fünfteiligen Begleit-Podcast.
AW: Besonders wertvoll ist, dass auch Studierende anderer Fachrichtungen die hochspezifischen Anforderungen des Musiktheaters kennenlernen. Im deutschsprachigen Raum gibt es außerhalb der Darstellerberufe kaum Möglichkeiten, sich dezidiert im Bereich Musical zu spezialisieren. Hier leistet die Theaterakademie einen nachhaltigen Beitrag für die gesamte Branche.
blimu: Wenn sich am Premierenabend der Vorhang schließt und der Applaus aufbrandet: Was bedeutet Ihnen beiden dieser Moment ganz persönlich nach all der monatelangen Arbeit hinter den Kulissen?
AW: Als Produktionsleitung erlebt man die Entstehung eines Stücks über Monate hinweg vor allem als eine Kette unzähliger organisatorischer Einzelschritte. Der schönste Moment ist für mich, wenn diese Detailarbeit zu einem großen, pulsierenden Ganzen verschmilzt. Am meisten berührt es mich, wenn die Studierenden sich das Werk vollkommen zu eigen machen – in diesem Applaus spiegelt sich ihre gesamte Entwicklung wider.
ML: Ich bin unendlich stolz auf unsere Studierenden, die mit so viel Hingabe, Disziplin und Spielfreude gewachsen sind und nun den Sprung in den professionellen Markt antreten. Und ich empfinde tiefe Dankbarkeit gegenüber allen Kolleginnen und Kollegen aus Lehre, Regie und Technik, die diesen Weg gemeinsam ermöglicht haben.
